我的創作都是自己手作的，因為自己對這件事很喜愛。
常常有人問我為什麼選一條篇藝術的路？
這幾年，我不是在做一個很機能性的事，而是想透過創作，找回一些消失的事。

我是中原建築系畢業的，現在的身份之一也是回到中原建築系授課，過程中我也一直在試圖調整中原建築系的教育，學生們總是可以做出美美的模型，但是我帶學生到別的地方，看看不同的生活，想想「什麼是你？什麼是建築？」

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我很喜歡法國哲學家德勒茲，他有一篇文章叫「廢島」，在裡面德勒茲對島嶼的存在提出三奘定義：一個是大陸、一個是衍生性的島嶼，一個是廢島。而廢島是新的本質出現的地方，因它不與大陸連結，也沒有人會去對它進行規劃，因此他會長出自己的樣貌。『在人類文明裡面的廢島其實就是藝術、文學、或是神話，他用自己特殊的語言，長出屬於自己的東西，並極具創造性。』

去年的威尼斯建築雙年展，策展人是庫哈斯（Rem Koolhaas）。庫哈斯說：「我要兩年籌劃一個展覽，而且不要有任何當代建築。」此次展覽的主題叫做：基礎（fundamental），庫哈斯將過往建築拆解成一件件的元素，彷彿讓觀眾走進歷史。庫哈斯在這次的展覽中想讓人重新思考一件事：當什麼都已經系統化了的時候，建築要怎麼走下去？what is the next?

（其中，有展出一柯比意發展出的『多米諾』系統，建築開始變得自由。形成一個格點、範圍。可以不斷複製，我自己覺得，格點複製的過程中，自然本身也被削減了，這是我自己個人的反省。）

建構技術形成了一些分裂，物質間的關係從可見轉至不可見，例如磚頭一個一個疊起來，我看得出他的力學傳遞、塊體，然而鋼筋混泥土的鋼筋，卻扮演了一個很奇妙的角色，它相當重要然而它是被完全包覆的，我們看不見他。

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創作的過程中，我試圖想找回一些消失的東西，例如：身體的感官。
人的感官其實是很敏感的，像我自己，從小就特別容易因為氣味對一件事物產生深刻的印象，或是超乎視覺的感動。

我一直在做實作的目的，主要是想找回身體的位置。

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在這裡先舉梵谷的畫為例子。梵谷的畫很迷人，但是為什麼呢？像這幅Vincent ’s Bedroom in Arles，消點並不在正確的位子，整個臥室有一種向外膨脹的感覺，這不僅僅是一種空間的氛圍，更形成了一種親近的「尺度」。

我常常說，我們是怎麼在真實與非真實兩條線之間做想做的事。

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接著，舉了塞尚的畫的例子。

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再講講Gerhard Richer的創作，其中最有名的是一些攝影剪貼。
在這裡面有一系列關於當時戰亂的報導剪貼，透過這個創作就會發現，針對同一件事，因為攝影者身份位置的不同，捕捉畫面的觀點也會不同，呈現給觀眾的事情就都不一樣，有些人看到的是行軍的畫面，有些人看到的是飢寒交迫的難民，有些是荒涼的景象。而後他又把早年的剪貼拿出來畫成油畫，他一直不停反覆的在做同一件事，在這之中想探討的是，真實到底是什麼？

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▌ 創作實踐的三種脈絡
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Ａ／『元素』到身體介入的『結點』生成。

開始來探討建築與身體的關係，身體內各個器官密切相關，因此，建築的身體應該是人工的地形。

『怎麼樣一個「元素」不是只有機能而已，而是一個東西放在這裡之後，開始能匯聚一些東西在這。能夠引發行為、產生對話。』

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接著，開始分享自己的創作：

2005築巢・破殼
鳥巢是鳥兒不斷的在裡面編織、打轉⋯種種行為之後所形成的，成為一個圓形的凹洞，這件事是非常知覺性的。
這個作品的形式上是一個挨著一個，創作的過程中，不只是實作，也親身去感受那些尺度，所以為什麼要強調是一個挨著一個？因為這不是一個模舉化的結果，不是一個系統化之下可以立刻完成的行為，即使是從一個點到另外一個點。

空間的溫度

2010秘境
這次是因妹島和世的作品來台展覽，而我們在展覽的空間內進行創作。
在這裡想創造一個親近的層次，也就是討論身體與建築的距離，如何去組構一個城市？其實妹島和世的展覽，都不是只是為了看到她的作品而已，而是如何透過觀看她的作品，來觀看環境。

其實案子進行的當下都是沒有圖的，結束後，才會為創作繪製圖面。

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2014 瀨戶內藝術季／小豆島福田
那一年，我從聲音的角度切入。走進那些日式的木地板，會有ㄍㄧ ㄍㄧ ㄍㄨㄞ ㄍㄨㄞ 的聲音，由此也可以知道屋主在不在。

我重新去思考我的基地，一個沒有人用的房子，要怎麼讓這個房子裡面的元素，彼此之間關係變得有些不一樣？

在這裡誇獎一下，當時日本的業主一旦答應了，他就相當尊重創作者的理念。

窗戶開的大小，也是我自己設定的。並且在天花板的某個角落放上一個鏡子。大家站在不同的地方，是可以透過這面鏡子打招呼的。不只是周遭的關係，包括頂的關係也思考著。

我覺得建築的討論與創作的討論都相當重要，但是到了最後，往往最美麗的事情是發生在環境裡的那些『人』身上。

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2015 in-house garden（在馬來西亞，帶了30幾個學生一起去）
一場結合學生、漁村居民的公共性構築行動。建築的邊界不再是終點，而是生命起點，交流互動的起點。
目的地是一個小漁村，因為這個地方沒有繳稅的制度介入，所以沒有垃圾車會來收這兒的垃圾，百年來，他們的垃圾都是往水裡面丟。然而，這裡卻又是馬來西亞擁有最豐富生態的地方，因此有很多學者都想解決這件事。我們思考怎麼透過公共性的構築，產生一些影響。

我帶著30幾個學生，告訴他們不要怕，儘管去做。錯了一定有辦法改成對的啊！於是就這麼開始了。
在基地上，我們拆掉其中一個空間，新的公共空間形成後，將帶入一些影響。

我們拿居民不要的、堆積成山的雪蛤殼來磨碎，去形成新的空間材料。進去之後，有什麼就先做什麼，拆掉的材料，再去頭去尾，使它成為一個可用的材料。一開始我們睡得很克難，結果有些事就發生了，旁邊的居民開始過來說：「我家還可以睡四個人啊～我家也還可以睡三個人⋯」接著，看到同學們會到附近買些吃的，居民也開始陸陸續續的捐獻食材，而後甚至幫同學煮起三餐。

『最重要的是，我們要怎麼找到『價值』？不論是一個學習者的價值、一個居民的價值⋯』

在創作之中，我希望在這裡產生一個植物的電線桿，去對比人工的電線桿，於是做出了一個可以走上屋頂的空間，也可被植物攀附，讓一個構築與人體互動，形成新的關係。我也在屋頂上放上一個綠色網子，種植一些植物，形成新的layer、地景關係，隨著時間演進，城市中的某個屋頂上，漸漸出現一小片綠州。那時候在想的是：如何在城市中的縫隙找到機會去創造一些價值？

本部分的結論：
事物成為他們自己，找到他們自己。

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B／網格（grid）生成的身體位置

舉了一個畫家為例：Agnes Martin.
Agnes Martin的畫相當純粹、簡單，卻也迷人。之中有許多格點，線條的構成的創作，她曾說，自己描繪或拼貼網格時，思緒變得清晰，心靈則更加純粹，讓她感到心滿意足，而她認為自己最關注的便是人們的內在情感。

在這裡舉一個小故事：
有一回Martin的畫布上只剩下幾條淡淡的平行線，看到的女孩好奇的問：「這是什麼？」Martin隨手拿起幾支玫瑰花，問她：「美嗎？」，小女孩答是，接著Martin把花放到背後，再問：「還是美嗎？」小女孩說：「我還是覺的美。」Martin於是說：「我畫的就是這個。」

玫瑰花的美不是他本身，而是in your mind.

『你開始意識到一個創作的時候，其實你是意識到你自己。意識到自己之後，才看到事物的本身。』
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2014邊緣地景
共感網格
沒有要連結任何事，但是跟很多事都有關係。

羅時瑋老師說：這是一個爬蟲類的建築。呈現人生百態。怕的人，爬得慢，爬得越高，也越慢，好像要走到一個很遠的地方，卻又一直回到自身，觀看腳底下的每一個腳步。
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2014綿雨、浮島、懸橋：感覺的重量
讓行走成為充滿原始記憶的舞蹈與儀式。−黃海鳴

我的創作其實也試圖在討論如何讓建築成為一種關於人的環境。
不管是元素或是格點的過程，我都試圖想討論一種新的關係的生成與改變。
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C／建築中的另一種動態尺度

2015島嶼製造・溢遊地景
有個人啟程旅行就為了測會這個世界，就在他即將死去前，才發現這張地圖中線條所描繪出的意象，其實就是自己的臉孔。 − Jorge Luis Borges
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2016城市浮洲
台灣・台北城南

「城南針灸點」
台北城南場址周圍都是一些大型商場，晚上一關，整個區域似乎就被隔絕了。
於是試圖要置入一些節點，像是替城市針灸一樣。

發展出三種不同的行動式空間，可以打開也可以收起，分別是「家庭書屋」、「名人畫報屋」、「時光攝影棚」。
這三種空間來到各個不同的地區，置入後，與原本的空間夾出新的機會。

第一站：台博館
第二站：估嶺街小劇場
第三站：二二八紀念館
第四站：史博藝教館

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2016 plug-in Village

創作團隊企圖發展一種動態的網絡系統介入這一『潮間帶』，吸取其中的養分，並形成新的關係連結『家』的形成。 這一動態的網絡存在著幾種不同的尺度關係，並逐漸形成在未來幾十年間和城市共生、有機成長的新層次關係。 
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我很喜歡畫家賈克梅蒂的一幅畫，用這幅畫來做為結尾：

如同他的雕塑，賈克梅蒂的肖像畫從對自己主體激烈、 仔細的檢查中顯現，持續、反覆地在影像上再工作的過程是為了記錄他移動的視覺印象。 ⟪坐著的男人⟫描繪他的哥哥Diego − 其中一位賈克梅蒂最頻繁使用的模特兒，但即使是如此熟悉的臉龐變成是藝術家發現與探索的對象，賈克梅蒂也說：

「當他為我擺姿勢，我卻無法認識他。」 
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